Как поступить
в Онлайн-школу и получить аттестат?

Подробно расскажем о том, как перевестись на дистанционный формат обучения, как устроены онлайн-уроки и учебный процесс, как улучшить успеваемость и повысить мотивацию!

Нажимая на кнопку, я соглашаюсь на обработку персональных данных

Конспект урока: Мир художественной культуры Возрождения

История Нового времени

Мир художественной культуры Возрождения

Разминка

  • Что такое огораживание?
  • В каком веке были изданы жестокие законы против бродяг, названные кровавыми?

План урока

  • «Какое чудо природы человек!»
  • Эпоха титанов
  • Северное Возрождение. «Мужицкий живописец»
  • Леонардо да Винчи из Германии
  • На пути к бессмертию
  • Живописцы истины

Цели урока

  • ознакомить учащихся с особенностями искусства Возрождения
  • сформировать представления о шедеврах эпохи
  • расширить знания учащихся о У. Шекспире, М. Cервантесе и эпохе «титанов»: Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэль Санти и др.

Вступление

Что для государства или народа значит культура? Можно сказать, что культура это лицо нации, отражение истории человека, эпохи, в которой он живёт. Сегодня мы познакомимся с эпохой Возрождения, поистине великим периодом как в истории в целом, так и в истории искусства.


Возрождение конца XIV начала XVII веков новая культура и стиль жизни, зародившиеся в Италии и получившие распространение в других европейских странах. Отличительная черта эпохи Возрождения  светский характер культуры и её интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности. Появляется заинтересованность античной культурой, происходит как бы её «возрождение»  так и появился термин.


В итальянских университетах расширялся круг наук о человеке и обществе гуманитарные науки. Отсюда и произошел термин «гуманисты» т. е. люди, которые занимались гуманитарными науками. Гуманисты провозглашали новый идеал человека:

  • всесторонне образованный и гармонически развитый;
  • он совершенствует свою душу с помощью наук, литературы, живописи, музыки;
  • человек прекрасен по своей природе, наделён творческими способностями и разумом;
  • он не игрушка в руках судьбы, а её хозяин.

Принято выделять следующую периодизацию эпохи Возрождения:

  • проторенессанс (вторая половина XIII века  XIV век);
  • раннее Возрождение (начало XV  конец XV века);
  • высокое Возрождение (конец XV  первые 20 лет XVI века);
  • позднее Возрождение (середина XVI  90-е годы XVI века).

«Какое чудо природы человек!»

 

Эпоха Возрождения прежде всего нашла отражение в литературе. Важной особенностью этого вида искусства стало проявление интереса к личности человека, его внутренним переживаниям. Теперь писателей стала интересовать земная жизнь с её волнениями и проблемами.

 

Уильям Шекспир (1564–1616)

Рис. 1. Уильям Шекспир Рис. 1. Уильям Шекспир

Одним из главных представителей литературы этого времени является Уи́льям Шекспи́р . Родился он 26 апреля 1564 года в Стра́тфорде-на-Э́йвоне. Шекспир называл мир театром, в котором люди актёры, исполняющие свои роли. Поэтому в пьесах он уделял большое внимание переживаниям людей, их трагедиям. Посредством театра Шекспир хотел научить преодолению трудностей. Пьесы Уильяма Шекспира широко известны. Часто в своих произведениях Шекспир обращается к реальным историческим персонажам и событиям, но может вносить в них некоторые изменения. В пьесах «Генрих VI», «Ричард III» автор выступает с осуждением мятежей против короля и каких-либо междоусобиц. Герои в пьесах показаны с самых разных сторон, со всеми положительными и отрицательными качествами, что характерно для литературы Возрождения. Они достаточно эгоистичны, осознают себя как личность. Женщины предстают смелыми, остроумными, они образцы верности и любви. Вообще в большинстве произведений движущей силой жизни людей является любовь. Это мы видим в борьбе любви и семейной вражды в трагедии «Ромео и Джульетта». Так вопреки поражениям и смерти утверждается мысль Шекспира: «Какое чудо природы человек». Образ человека эпохи Возрождения приведён в «Гамлете». Принц склонен к размышлениям, философии. Он не просто наслаждается жизнью, он её анализирует. При этом Гамлет развит физически, гордится славой лучшего фехтовальщика (рис. 1).

Следующий знаменитый писатель эпохи Возрождения Миге́ль Серва́нтес (15471616) Родился в Испании, в городе Алька́ла-де-Эна́рес. Он прожил очень яркую и насыщенную событиями жизнь. Выдающимся произведением Сервантеса стал роман «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский», написанный в 1605 г. и его продолжение «Вторая часть гениального рыцаря Дон Кихот из Ламанчи», изданная в 1615 г. Произведение задумывалось для высмеивания жанра рыцарских романов, характерного для эпохи Средневековья. Ало́нсо Киха́на испанский идальго, который уже далеко не молод. За жизнь он прочитал большое количество рыцарских романов и от этого сошёл с ума. Идальго вообразил себя рыцарем, назвавшись Дон Кихотом. Свою старую лошадь он видел благородным конем Росина́нтом. В слуги к Дон Кихоту поступил крестьянин Са́нчо Па́нса. Вместе они отправляются в путь, полный подвигов. Дон Кихот герой, который готов на всё, чтобы помочь людям. Главное его качество альтруизм. Правда, не всегда эта помощь приносит что-то хорошее и самому рыцарю, и тем, кому он помогает (рис. 2).

Рис. 2. Дон Кихот Рис. 2. Дон Кихот

Во второй книге образ героя меняется. Он начинает видеть реальный мир, его недостатки и несправедливость. Даёт многочисленные советы Санчо Пансе, который мечтает стать губернатором острова. Так, например, он советует в первую очередь узнать самого себя и быть самим собой; в правлении проявлять мягкость и разумность, не подкупать правосудие, распределять блага между бедными только справедливо; для настоящего правителя истина должна быть на первом месте. Во время правления Санчо Панса активно ведет борьбу с бездельем, подкупами, поощряет труд. Таким приёмом Сервантес демонстрирует читателю недостатки Испании во времена правления Филиппа II: налоговая система, непригодная и отсталая медицина, различные религиозные суеверия. С одной стороны, книга является смешной и комичной, а с другой, полна доброты и человечности.

Обратите внимание на тот факт, что Уильям Шекспир и Мигель Сервантес умерли в один день и в один год  23 апреля 1616 г. В 1996 г. ЮНЕСКО объявила этот день Всемирным днём книг и авторского права.

Рис. 3. Мадонна с цветком Рис. 3. Мадонна с цветком

Эпоха титанов

 

Одним из талантливейших людей эпохи Возрождения по праву считается Леонардо да Винчи (1452–1519) .

 

Это человек, о котором говорили, что он художник, поэт, архитектор, скульптор, музыкант, физик, математик, астроном, историк и, кроме того, божественно пел. Нельзя не отметить, что внешне он был необычайно красив: хорошо сложен, обладал большой силой мог согнуть подкову, всегда был хорошо одет. После смерти он оставил более 7 тысяч страниц рукописей, многие из которых можно было прочесть только с помощью зеркала, а вот картин его сохранилось не так много, хотя именно Леонардо да Винчи считал живопись царицей искусств. По его мнению, с помощью «науки живописи» можно изучать мир от небесного до земного. Одна из первых работ «Мадонна с цветком» (рис. 3).

Рис. 4. Мадонна Литта Рис. 4. Мадонна Литта

Крупные фигуры матери и младенца даны в условном пространстве кельи, оживлённом лишь холодным пятном зеленоватого неба в окне. Золотым сиянием освещены лица матери совсем ещё юной Марии и маленького Иисуса. Лицо Мадонны ласковое, она протягивает сыну цветок и любуется тем, как он изучает его с не по-детски серьёзным выражением лица. Внимательно присмотритесь к четырёхлепестковому цветку: вы увидите мотив креста будущего распятия. Ещё одна мадонна изображена на полотне Леонардо, это Мадонна Литта (рис. 4). Картина написана яркими сочными красками, что делает полотно праздничным. Уравновешенность композиции создаёт ощущение долговременного радостного покоя. Мягкая, чуть печальная полуулыбка Мадонны, её глаза, устремлённые на сына. Очень реалистично, с теплотой выписаны вьющиеся рыжевато-золотистые волосы Иисуса. Взгляд божественного ребёнка устремлён на зрителя с недетской печалью и прозрением. 

Рис. 5. Тайная вечеря Рис. 5. Тайная вечеря

На стене трапезной миланского монастыря Санта-Мария-делле-Грация была создана фреска «Тайная вечеря» (рис. 5). Это изображение современники Леонардо восприняли очень эмоционально. Друг художника, математик Лука Пачоли, писал: «Невозможно представить себе апостолов более внимательными, когда они услышали правду его слов: «Один из вас предаст меня». Их позы и жесты показывают, с каким искренним удивлением, полным горя, они разговаривают». 

В отличие от предшественников, Леонардо не отделил Иуду ото всех, он сидит среди других, за общим столом ведь ещё никто не догадывается о его предательстве. Иуда, отпрянув, опрокинул солонку, в его руке постыдная плата кошель с серебряниками. Чтобы написать Иуду, мастер ходил по притонам и искал модель среди преступников. Когда же настоятель монастыря выразил недовольство тем, что Леонардо затянул работу над фреской, художник предложил самому священнику стать моделью Иуды. К сожалению, всю красоту фрески мы не сможем увидеть, так как она начала осыпаться ещё при жизни автора. В 17 веке в трапезной пробили дверь, уничтожив часть композиции. В 18 веке в помещении устроили склад, солдаты Наполеона разместили в трапезной конюшню. В годы Второй мировой войны в трапезную попала бомба. 

Портрет Чечилии Галлерани («Дама с горностаем») написан в 1485 году. Из тёмного фона выступает фигура женщины с символическим зверьком на руках. Поворот положение тела грациозного маленького хищника придаёт живость картине. Мы замечаем психологическую параллель сравнение животной грации, мнимой прирученности и скрытого неповиновения, общих для женщины в её руках. 

Рис. 6. Мона Лиза Рис. 6. Мона Лиза

Среди полотен знаменитого мастера первое место занимает изображение молодой флорентийки Моны Лизы . Леонардо считал Мону Лизу особенным человеком, она произвела на него такое впечатление, что он отказался от других выгодных заказов. Он работал над портретом более трёх лет. Картина «Джоконда» была написана в 1503 г. По-видимому, она была незаурядной личностью, умной, целеустремлённой натурой. Спокойно восседает она на стуле, словно на троне, взгляд женщины непроницаем, исполнен удивительной мудрости и лёгкой насмешки. Её улыбку до сих пор никто не может разгадать. «Глаза имеют тот блеск и ту влажность, которые постоянно наблюдаются у живого человека. Улыбка столь приятная, что глядя на этот портрет, испытываешь более божественное, чем человеческое удовольствие». Портрет удался, это была точная копия натуры. Леонардо сделал из своей модели не просто женщину, а Женщину с большой буквы. Некоторые современные исследователи разглядели в чертах Джоконды черты самого Леонардо (рис. 6).

Почти на полвека пережил Леонардо да Винчи его постоянный соперник в живописи Микеланджело Буанарроти (1475–1564) .

 

Он очень отличался от других живописцев, любил одиночество, ненавидел тех, кто знаменит, высмеивал и Леонардо, и Рафаэля. Внушал страх даже римским папам. Лев Х говорил о нём: «Он страшен, с ним нельзя иметь дело».

 

С виду нерешительный, болезненный, одинокий человек, он создавал образы могучих атлетов. Телесная пластика была идеалом мастера. Детство и юность Микеланджело прошли во Флоренции центре культуры. Во главе города стоял Лоренцо Медичи Великолепный, который собирал вокруг себя известных художников. Отец Микеланджело происходил из знатного рода, поэтому был против занятий сына живописью. Он не видел различий между живописцем и маляром, скульптором и каменотёсом. «Мой отец и его братья часто и больно колачивали меня, полагая величайшим позором для семьи иметь в ней художника», вспоминал в старости Микеланджело. 

Рис. 7. Давид Рис. 7. Давид

Заслужив похвалу своего учителя, он покинул живописную мастерскую и стал обучаться искусству скульптуры. Он был убеждён, что в каждой глыбе мрамора изначально до времени заключена единственная фигура, и задача скульптора состоит лишь в том, чтобы высвободить её. Однажды Микеланджело сообщили о прекрасном мраморе, лежащем во дворе одного из флорентийских соборов. Над этим камнем уже поработало несколько скульпторов, основательно его испортив. Церковные власти махнули на всё рукой, и глыба продолжала стоять в таком виде долгие годы. Микеланджело загорелся желанием выполнить скульптуру необычайной высоты — 5,5 м. Заново обмерив весь кусок мрамора, он приступил к задуманному. Микеланджело не любил работать с натуры, так как считал, что природа не может быть совершенной. По его мнению, нет ничего красивее человеческой фигуры.

 

Законченное произведение ошеломило современников. Микеланджело изваял обнажённую фигуру прекрасного юноши. По библейской легенде юный пастух Давид отважился на бой со страшным великаном Голиафом и сразил его камнем, выпущенным из пращи. Скульптор изобразил Давида перед поединком. Лицо его полно гнева, сильная рука сжимает пращу.

Заказчики назвали «Давида» «Гигантом», ведь высота скульптуры 5,5 метров, а создателя Неистовым. Эта скульптура, по словам Вазари, отняла славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских (рис. 7).

 

Микеланджело обладал огромной работоспособностью. Вставал ночью и работал, освещая всё свечой, находящейся в шлеме. В 75 лет мог за четверть часа вырубить столько мрамора, сколько делали 3–4 каменотеса за 1 час.

 

40 лет автор будет работать над гробницей, которую заказал Римский папа Юлий II. Но, несмотря на его большую любовь к скульптуре, он был прекрасным живописцем, более 4 лет расписывал Сикстинскую капеллу, самое грандиозное живописное произведение 40 метров длины, 13 метров ширины. Мастер работал на высоте 18 метров и в очень тяжёлых условиях. В начале ему дали помощников, которые перевели с картона несколько фигур. Но когда старый живописец увидел выполненную работу, он приказал всё отколоть, выгнал помощников и запер дверь.

 

Очевидцы жаловались папе: «Часто вся его еда состояла из одного куска хлеба, который он съедал, не оставляя работы. Спал он прямо на лесах, не раздеваясь. Сапоги приходилось снимать с мучительными усилиями, так как с утомлённых и опухших ног слезала кожа». Микеланджело был некоторое время главным архитектором собора Святого Петра в Ватикане: по его модели был возведён купол собора.  Величественная работа до сих пор изумляет каждого, кто её видит.

 

Но если Микеланджело был одинок и не оставил после себя ни одного ученика, то Рафаэль Санти всегда был окружён последователями и учениками. 

Рис. 8. Рафаэль Санти Рис. 8. Рафаэль Санти

Рафаэль Санти (1483–1520) прожил короткую, в 37 лет, но очень яркую жизнь. Он родился в семье художника и с детства носил отцу кисти. В 8 лет Рафаэль теряет мать, в 11 лет умирает отец и он остался сиротой. Возможно, поэтому образ матери-мадонны стал для него таким значимым. Ни один другой художник не создал столько изображений Богоматери. Несколько лет Рафаэль учится у друзей отца, а потом переезжает во Флоренцию, где получает приглашение папы римского расписать залы Ватикана. Римский папа хотел увенчать его небывалой для живописи наградой, и лишь преждевременная смерть помешала Рафаэлю стать кардиналом. Но главной своей вершины он достиг в области живописи, став Великим мастером Высокого Возрождения. Известный автопортрет художника написан им в 1506 г., когда Рафаэлю было 23 года. Голова его и плечи чётко вырисовываются на гладком фоне. Взгляд задумчив и мечтателен. Рафаэль как бы смотрит на мир и проникается его гармонией. Но художник ещё робок, он бесконечно юн, ласковая кротость разлита по его лицу. Однако в его облике уже чувствуется нарождающееся душевное равновесие. Резко выступающая нижняя губа, линия рта, красиво и энергично изогнутая, тонкий овальный подбородок (рис. 8). 

В раннем произведении Рафаэля (ему всего 19 лет), названном «Мадонна Конестабиле» по имени последнего владельца, гармония, единство человека и природы воспеты с большим лиризмом и непосредственностью. Задумчивость, оттенок лёгкой грусти в лице юной Мадонны созвучны настроению, которое рождает прозрачный весенний пейзаж. Главные линии фигур, соответствующие форме картины, мягкая живописная манера подчёркивают нежность и хрупкость облика женщины-матери, красоту мира, его окружающего. Мадонна великолепна. Сколько нежности, целомудрия, любви, душевной гармонии в её образе. 

 

«Сикстинская мадонна» по праву признана вершиной творчества великого живописца (рис. 9). В. А. Жуковский после посещения Дрезденской галереи, где по сей день экспонируется эта картина, писал: «... на лице её ничего не выражено, но в нём находишь в каком-то таинственном соединении всё: спокойствие, чистоту, величие и даже чувство, но чувство уже перешедшее за границу земного. И далее Жуковский произносит: 

Ах, не с нами обитает
Гений чистой красоты.
Лишь порою навещает
Нас с небесной высоты.

Рис. 9. Сикстинская Мадонна Рис. 9. Сикстинская Мадонна

Раздвигающийся занавес вверху это мотив явления чуда, слева Святой Сикст потрясён видением вместе со святой коленопреклонённой Варварой они как бы посредники между зрителем и Мадонной. Мария спускается с небес, она безропотно несёт своего младенца на спасение миру; границей земного и небесного миров является парапет, на который облокотились чудесные ангелочки. Рафаэль остановил вечное движение матери, приносящей свою жертву, своего сына, во имя будущего символ высшей красоты и жертвенной материнской любви. Эту картину заказали Рафаэлю монахи маленького монастыря, художнику тогда было 30 лет. В России, особенно в первой половине XIX века, «Сикстинская Мадонна» Рафаэля очень почиталась, ей посвящены восторженные строки таких писателей и критиков, как В. А. Жуковский, В. Г. Белинский, Н. П. Огарёв. Белинский писал из Дрездена В. П. Боткину, делясь с ним своими впечатлениями о «Сикстинской Мадонне»: «Что за благородство, что за грация кисти! Нельзя наглядеться»! Два великих русских писателя, Л. Н. Толстой и Ф. М. Достоевский, имели репродукции «Сикстинской Мадонны» в своих рабочих кабинетах. Кисти Рафаэля принадлежат известные полотна: «Афинская школа», «Дама с единорогом» и портрет Данте. В день смерти Рафаэля один из его современников писал: «Окончилась его первая жизнь; вторая жизнь будет продолжаться вечно в его произведениях».

Северное Возрождение. «Мужицкий живописец»

Рис. 10. Декабрь. Охотники на снегу Рис. 10. Декабрь. Охотники на снегу

Питера Брейгеля называли «мужицким» художником за его неустанный интерес к образу простолюдина. В ранних картинах, посвящённых пословицам и поговоркам, Брейгель в основном высмеивал пороки и слабости человека. В поздний период мастер расширил тематику жанровой живописи, изображая сцены из повседневной жизни человека, как, например, в картинах «Крестьянский танец» и «Крестьянская свадьба». Но вместе с тем он не оставляет размышлений о месте человека в мире и правильном выборе жизненного пути, о чём свидетельствует полотно «Притча о слепых», где художник иллюстрирует знаменитый библейский сюжет.

Особенности художника:

  • притчевый характер картин;
  • пестрота и многолюдность композиций;
  • ирония и юмор по отношению к человеку;
  • много аллегорий, иносказаний и символики;
  • точка зрения с высоты птичьего полета;
  • спокойствие и совершенство природы в противовес суетливой мелочности людей. Значительная роль пейзажа;
  • простонародные типажи, гротеск, бытовые сюжеты.

Картины художника:

  • «Падение Икара» 1555–1558 гг.
  • «Нидерландские пословицы» 1559 г.
  • «Крестьянский танец» 1568 г.
  • «Слепые» 1568 г.
  • «Декабрь. Охотники на снегу» 1565 г. (рис. 10)

Скончался Питер Брейгель в 1569 году в Брюсселе. Его творчество завершило эпоху нидерландского Возрождения. Он смог соединить воедино традиции ранней религиозной живописи и меняющийся витальный дух современного ему человека, передать национальное своеобразие простонародья, его кипучую, неистощимую жажду жизни.

 

«Леонардо да Винчи из Германии»

 

Альбрехт Дюрер (1471–1528 гг.)

 

XVI век немецкого искусства принято называть «эпохой Дюрера» не только в связи с творчеством самого художника, но и благодаря его влиянию на культуру Германии этого времени. Дюрера так же называли «северным Леонардо». 

 

Действительно, эти две фигуры сопоставимы по масштабу, тем более они современники. Из биографии Дюрера следует отметить, что он происходил из многодетной семьи золотых дел мастера. Отец учил его своему ремеслу, надеясь, что он продолжит дело. Но Дюрер больше увлекался рисованием и живописью, чем работой с драгоценными металлами. В конце концов его определили в мастерскую граверов при типографии его крёстного отца Кобергера. Надо сказать, что искусство гравюры в те времена только начинает развиваться. 

 

XV в. открывает в западной Европе эру книгопечатания. Дюрер не только внес вклад в развитие гравюры, но поднял это искусство на поистине недосягаемую высоту. В его гравюрах особой изысканностью отличается линия. Они славятся виртуозностью штриха, ювелирной выделкой каждой маленькой детали, и при этом многообразии подробностей единством и цельностью композиции. Дюрер создаёт множество гравюр на религиозные сюжеты (техника ксилографии, затем офорт). Среди них много посвящённых страстям Христовым, также знамениты иллюстрации к Апокалипсису и гравюры, связанные с аллегорическими сюжетами.

Рис. 11. Четыре всадника Апокалипсиса Рис. 11. Четыре всадника Апокалипсиса

Сцены из Апокалипсиса (1498) создавались на рубеже веков (XV–XVI вв.). Это было время ожидания конца света. Гравюры эти полны драматизма и экспрессии.

 

Из наиболее знаменитых «Четыре всадника Апокалипсиса» , несущие людям голод, смерть (бледный конь), неправедный суд и страдания. Представители всех сословий оказываются под копытами этих коней. Общий искупительный пафос северного Возрождения отражён и в творчестве Дюрера (искупление грехов через страдание) (рис. 11).

 

Две известные аллегории: «Рыцарь, смерть и дьявол» (1513) и «Меланхолия» (1514) повествуют об испытаниях и искушениях, через которые проходит человеческая душа в земной жизни, или «гений разума», как её называли античные стоики.

Меланхолия  (греч. мelahos м черный + chole  желчь), иными словами чёрная злоба на мир, его неприятие. Грех уныния, чёрная тоска.

 

На картине «Меланхолия» изображён крылатый гений разума, погруженный в рефлексию Фауста. Пессимизм сомнений. На стене кроме прочего магический квадрат. Твёрдый и достоверный рисунок, блестящая передача пропорций фигур, пространства, переходов света и тени обнаруживает в нём мастера высокого Ренессанса.

 

Дюрер прежде всего универсал, работал в разных видах, жанрах и техниках искусства. Блестяще проявил себя в графике и не менее успешен в живописи. Кроме того, он писал теоретические труды о назначении художника и об искусстве.

 

Его интерес к миру во многом носил рационалистический, научный характер. Подобно Леонардо он исследует каждую малую травинку, цветок, насекомое, животное, исследует закономерности мироздания. Принцип гуманизма, связанный с той самой ценностью человеческой личности, тоже приходит сюда из Италии. Дюрер дважды путешествует в эту страну (1494–1495 и в начале 1500-х годов), работает много в жанре портрета. Поездка в Италию и знакомство с работами итальянских мастеров потрясли его. Влияние итальянского Возрождения сказалось на его автопортрете 1498 г. Однако даже в нём есть некое внутреннее напряжение, графическая контрастность, скрытая печаль, которые выдают в нём художника северного Возрождения. Реалистические тенденции, гуманизм, идея красоты мира как проявления божественной красоты (пантеизм), значимость личности все это близко Италии. Но неразрывная связь со средневековыми готическими традициями, которые не революционным рывком, а плавно перерастают в ренессансное искусство строгое, религиозное, полное трагической экспрессии.

 

На пути к бессмертию

 

До позднего Возрождения музыкальное искусство Западной Европы оставалось связанным с церковью. 

 

Музыка была главной частью религиозной службы; воздействуя на прихожан сильнее, чем слово, она подчиняла их молитвенному настроению.

 

На протяжении столетий церковь бдительно следила за исполнением музыкальных произведений в храме, не допуская малейших отклонений от правил. Но в конце XVI в. под влиянием изменений в жизни общества характер церковной музыки постепенно меняется. Как в живописи и скульптуре, где религиозный сюжет рассматривался гуманистами с позиций человека, так и в музыке духовные произведения стали обращаться к человеческим чувствам.

 

Широкое развитие и распространение получают светские (нецерковные) произведения. Простой люд распевал песни, которые были подспорьем в тяжёлой трудовой жизни, в быту. В дни праздничных карнавалов и во время уличных шествий звучали весёлые танцевальные мелодии. Немало их сочинил специально для народных празднеств Лоренцо Великолепный.

 

Светскую музыкальную культуру пропагандируют многочисленные гуманистические музыкальные кружки. Теперь музыкальное творчество  часть жизни не только придворных, но и образованных горожан. Правила хорошего тона предписывали молодёжи из состоятельных семей уметь играть на музыкальных инструментах. Например, итальянский художник Караваджо изобразил юношу, который предаётся мечтательному настроению, тихонько перебирая струны лютни. На картинах художников Возрождения часто можно увидеть сцены домашнего музицирования. На полотне неизвестного автора три музыкантши старательно играют по нотам. Причём нотные знаки так отчётливо выписаны автором, что мы при желании можем повторить мелодию.

 

Высоко ценилось искусство сочинять и петь мадригалы  лирические вокальные произведения, многие из которых написаны на стихи знаменитых поэтов своего времени. Мадригалы исполнялись для широкой аудитории и были предшественниками оперы.

Музыка Возрождения вышла из узких рамок церковных правил, заняла полноправное место в ряду других светских искусств, проложив путь бессмертным музыкальным творениям XVII–XVIII вв.

 

Эпоха Возрождения внесла огромный вклад в сокровищницу мировой художественной культуры, оставив в наследство человечеству произведения, которые стали неиссякаемым источником вдохновения для последующих поколений творцов искусства.

 

Живописцы истины

 

Велико было влияние Эразма Роттердамского на немецкого художника Ганса Гольбейна Младшего (1497–1543) . Гольбейн не раз писал портреты выдающегося гуманиста, иллюстрировал его «Похвалу Глупости». За свою жизнь ему удалось создать целую галерею портретов современников. Спокойны и невозмутимы люди, запечатлённые художником, но за непроницаемостью и уравновешенностью отчётливо проступает индивидуальность, сложность и противоречивость человеческой натуры.

Рис. 12. Генрих VIII Рис. 12. Генрих VIII

Генриха VIII Гольбейн писал много раз, но настоящим шедевром является портрет короля почти в полный рост, созданный в 1540 г. Зритель видит перед собой фигуру могучего мужчины, которая занимает почти всё пространство картины, мужественное лицо, взгляд тёмных глаз, устремлённый поверх зрителя. Уверенный жест холёных рук, подчёркнутая торжественная неподвижность позы, надменное выражение всё свидетельствует о непомерной гордости и упрямстве, безжалостном, не знающем колебаний властолюбии. Впечатление парадности, недоступности усиливает роскошь одежды и обилие драгоценностей, тщательно выписанных автором (рис. 12).

 

Но не только внешний блеск привлекает художника. Гольбейн явно симпатизирует своему герою, увлечён незаурядностью его натуры. В портрете нет никаких «говорящих» деталей, свидетельствующих о высоком статусе изображённого. Художник предлагает зрителю сосредоточиться на самом герое, увидеть и понять его душу и характер, отметить гибкий ум, чувство собственного достоинства, суровость и энергию короля, переданные автором картины с истинным вдохновением.

Чем дольше вглядываешься в портрет, тем очевиднее становится замысел Гольбейна: создать образ абсолютной силы и уверенности, заставить поверить в почти божественный характер королевской власти, воплощением которой является Генрих VIII.

Рис. 13. Снятие с креста Рис. 13. Снятие с креста

В истории мировой живописи в одном ряду с именами Леонардо да Винчи и Рафаэля стоит имя Рембрандта Харменса ван Рейна (1606–1669). Его творчеству посвящено много книг. Бельгийский поэт Верхарн писал: «Он стоит на тех высотах, которые господствуют над вершинами, расами и странами. Нельзя сказать, откуда он происходит, так как родина его весь мир». Рембрандт был последним сыном в семье мельника. Он получил хорошее образование, но ушёл из университета, так как мечтал стать художником. После обучения в Италии он возвращается в Лейден, пишет портреты близких людей, потом появляются заказчики и его популярность растёт. Встреча с молодой знатной патрицианкой Саскией и женитьба на ней приводит к появлению восемнадцати портретов; «Саския качает ребёнка», «Спящая Саския» и др. На картине «Автопортрет с Саскией на коленях» мы видим счастливую пару. Рембрандт изобразил земную и божественно прекрасную жену. 

Рис. 14. Ночной дозор Рис. 14. Ночной дозор

В эти же годы Рембрандт продолжает работать над библейскими и евангельскими сюжетами. Это полотно «Снятие с креста» (рис. 13). Резкий контраст света и тени определяет суть происходящего жертвенной смерти Христа. Свет, словно исходящий из его тела, приобретает символическое значение. Христос, истерзанный муками страдалиц, обещающий вечное спасение. Образ Марии, матери Христа, одетой, как простая голландская крестьянка, также далёк от церковного канона. 

Рис. 15. Возвращение блудного сына Рис. 15. Возвращение блудного сына

Бездна отчаяния как бы поглотила саму жизнь Марии, бездыханно откинувшуюся на руки тех, кто был горестным свидетелем казни. Его называют самым известным художником, но в жизни его горькие потери: смерть сестры, матери, первых детей, любимой жены.

 

От тяжёлых раздумий художника отвлекает новый заказ: групповой портрет стрелков роты Святого Георгия «Ночной дозор» (рис. 14). Грандиозное историческое полотно, стрелки выступают в поход. Мы видим активный ритм движений, и это наполняет картину бодрой энергией.

 

Но общество не привыкло видеть на полотнах художников простых людей, поэтому, Рембрандт вновь пишет картины на библейские темы, чтобы не потерять заказчиков. И самая популярная из их «Возвращение блудного сына» (рис. 15). Это полотно можно назвать завещанием автора. В картине Рембрандт изобразил несчастного заблудшего человека, упавшего на колени перед слепым стариком. Отец прижимает немощное тело сына, склонился над ним. Незрячее лицо старика озарено.

Рис. 16. Завтрак Рис. 16. Завтрак

Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599–1660) родился в Португалии, получил хорошее воспитание, но родители, настаивающие на обучении сына наукам, увидев, что он постоянно рисует, решили отдать в школу будущего знаменитого художника. 

 

В своих работах Веласкес пишет то, что видит: он не копирует работы старых мастеров. Его полотна  «В кузнице», «Завтрак» картины обыденной жизни (рис. 16). Когда его начинают упрекать в том, что он не следует примеру Рафаэля, он отвечает: «Я предпочитаю быть первым в изображении народного, чем вторым в изображении утончённого». Но когда Веласкес женился на дочери своего учителя, он вынужден был искать более прибыльные заказы. Так он оказался в Мадриде при дворе короля. До конца своей жизни Веласкес будет устраивать переезды королевской четы и писать портреты придворных. Лучшему творению природы человеку Веласкес отводил в своих произведениях главное место. На пьедестале его памятника два слова: «Живописцу истины».


Контрольные вопросы

 

1. В росписи Сикстинской капеллы принимал участие:

  • Ганс Гольбейн;
  • Альбрехт Дюрер;
  • Донато Браманте;
  • Микеланджело Буонарроти.

2. Какая страна была родиной Возрождения?

3. Кто из писателей Возрождения является автором романа о приключениях Дон Кихота?

  • Томас Мор;
  • Уильям Шекспир;
  • Мигель Сервантес;
  • Франсуа Рабле.

4. Каковы временные рамки эпохи Возрождения?

5. В чём отличие мастеров эпохи Возрождения от Средневековья?


Ответы

  1. Микеланджело Буанарроти
  2. Италия
  3. Мигель Сервантес
  4. XIV–XVI вв.
  5. Мастера эпохи Возрождения придавали оригинальность произведениям 
    и подчёркивали своё авторство.


Предыдущий урок
Усиление королевской власти в XVI-XVII вв. Абсолютизм в Европе
История Нового времени
Следующий урок
Освободительная война в Нидерландах. Рождение республики Соединенных провинций
История Нового времени
  • Стихи русских поэтов о родине

    Литература

  • М.Ю. Лермонтов. «Песня про… купца Калашникова»

    Литература

  • Особенности строения хордовых животных. Низшие хордовые

    Биология

Зарегистрируйся, чтобы присоединиться к обсуждению урока

Добавьте свой отзыв об уроке, войдя на платфому или зарегистрировавшись.

Отзывы об уроке:
Пока никто не оставил отзыв об этом уроке